Es imposible no sentirte arrastrado por un cuadro de Salustiano. El sevillano es el artista de la colisión y la emoción. Del color y la memoria, capaz de apoyarse en el arte Flamenco del siglo XV para pintar arte Pop lleno de una personalidad tan potente que sus personajes atraviesan al espectador para quedarse para siempre.
La galería Lucía Mendoza de Madrid, expone «On the road» hasta el 7 de noviembre, pinturas de paz para que el espectador los concluya.
Entrevista con Salustiano.
¿Por qué solo el color naranja (el rojo o el negro)?
Me gusta lo absoluto.
¿Por qué los lienzos circulares?
Yo trabajo exclusivamente con tres elementos; una figura humana, un fondo plano y un formato. Para mí, el formato es muy importante. La relación de equilibrio tenso que hay entre la figura y el contorno del cuadro que la contiene es definitiva en mis obras. La circunferencia es una figura geométrica perfecta. Después de nacer mi hijo Horacio, la vida me parecía eso, perfecta, por lo que usar el circulo para mis cuadros era sólo una referencia a lo que estaba viviendo en ese momento. Un homenaje de bienvenida para él.
La inspiración de tus últimos trabajos dices que parte de la cultura Pop y la publicidad.
En el pasado, el arte clásico estaba sujeto a un montón de condicionantes, de todo tipo. Bajo esos estrechos márgenes se hicieron obras fabulosas capaces de conmover al espectador. Hoy en día el arte goza de una libertad total y veo a muchos artistas perdidos en esa libertad. En cambio, los publicistas trabajan con libertad más restringida y creo que muchos de ellos consiguen resultados tremendamente sugerentes y cargados de intención, y lo más importante: mensajes eficaces, por lo que estoy muy atento a lo que se ha hecho y se hace en publicidad.
«Me gusta la cultura pop. Como artista me posiciono, de manera consciente, en la parte luminosa del arte»
A su vez, curiosamente, mucha de la publicidad está inspirada directamente en el arte sacro clásico. Me gusta el arte pop, la cultura pop. Yo creo que le gusta a todo el mundo, ¿no? Como artista me posiciono, de manera consciente, en la parte luminosa del arte. Esto es Matisse, Warhol, Fragonard o Tiepolo. Viajar te impregna de cultura pop: la luz de los aeropuertos, las gasolineras, los productos de las tiendas 24 horas, los vending machine iluminados, los moteles de carreta, la sonrisa de las azafatas y recepcionistas… todo eso es muy pop. En esta última colección, ON THE ROAD, hay notas pop, pero contenidas. No me gusta ser demasiado obvio en mis trabajos.
¿Cómo y por qué dejas entrar nuevos colores en tus pinturas?
Cada cambio de color responde a un periodo largo de reflexión. Primero elijo el color y luego la tonalidad perfecta.
En el caso del naranja intenté conseguir el “sabor naranja” voluptuoso que se adivina en estos versos de Guillaume Apollinaire, que a mi paladar se le antojaba como aquellas pastillas efervescentes de vitamina C.
y yo mondo para mis amigos
la naranja de maravilloso
sabor de fuegos artificiales.
«La muerte, el amor, la realidad misma no la cuento tal cual es. Antes de ponerla en el lienzo, la “desbravo”»
He visto cómo tratas la muerte y ahora, cómo tratas a una sociedad que parece que la entiendes como superficial… ¿Cuéntanos qué sientes y qué te provoca?
¡Wow, hace mucho de eso! La muerte, el amor, la realidad misma no la cuento tal cual es. Antes de ponerla en el lienzo, la “desbravo”, le quito las aristas, la pulo hasta dejarle formas suaves, amables, y es entonces cuando la presento al espectador. Pero no nos llamemos a engaño, no presento la vida como un caramelo chupado, fácil de tragar. Al contrario, más bien estaba pensando en una bala o un misil, que con sus formas aerodinámicas inoculan en el espectador la emoción de manera más eficaz.
«Quiero expresiones neutras en las que el espectador ponga su propio rostro y se proyecte»
¿Han cambiado las expresiones de tus protagonistas? Qué pocas sonrisas hay en tu obra… qué seriedad!
¡Eso mismo decía mi madre! Sí, no hay muchas sonrisas en mis cuadros. Pero, a cambio, hay mucha serenidad en su manera de presentársenos. No quiero que mis personajes cuenten historias. Por lo tanto, sus expresiones deben ser neutras. Cuando los modelos están posando les sugiero que sientan determinadas emociones o revivan algún episodio concreto de su vida, pero les pido que dicha emoción o sentimiento no la compartan con nosotros, que no se les note en la cara. A veces le doy muchas indicaciones con respecto a cómo tienen que colocar el cuerpo, los hombros, las manos, los dedos de la mano, el cuello, el mentón, las sienes… Y cuando lo han colocado todo como les he pedido, les digo: ahora, contrae las pupilas. Quiero expresiones neutras en las que el espectador ponga su propio rostro y se proyecte.
¿Quiénes son tus modelos?
Mis modelos son gente de la calle. Son personas no necesariamente bellas, pero que presiento que pueden ayudarme a transmitir una determinada emoción. Dicho esto, me gustaría aclarar que, a pesar de trabajar con modelos reales, en mi obra no aparecen seres humanos reales, sino una idealización de ellos. Ellos aparecen en mis pinturas como aparecía Dorian Gray en su retrato. Es decir, en sus caras se ha borrado todo rastro de decepción o frustración. Es justo por eso mismo que la gente se identifica tanto con los personajes de mis cuadros: son un espejo que les devuelve la imagen de lo que anhelan ser.
«Escribió un periodista que yo contaba en mis cuadros lo que sucedía entre respiración y respiración»
¿Te gusta contar algo con tu obra o solo esperas emocionar el espectador?
Justo estos días revisaba el texto que el periodista Juan Fernández escribió para la exposición titulada ‘Organismo’. Juan decía, de una manera muy bonita, que yo contaba en mis cuadros lo que sucedía entre respiración y respiración, en el espacio que existía entre la inspiración y la espiración.
Es es el fragmento:
Son las suyas imágenes de serenidad y de calma. Ante todo, de mucha calma. Aunque por debajo está bullendo todo un cataclismo humano, aquí no hay rastro alguno de dramatismo. Hay en este pintor una alergia a lo estridente que a veces parece contradictorio: ¿no es su obra fruto del estremecimiento del organismo, entonces qué hacen estas criaturas traspirando tanto sosiego? Hay un pulso muy calmado en ese animal vivo que suman todos estos cuadros juntos. Que diga alguien si no están traspasados por el zumbido que suena en los dos instantes extremos de una respiración. ¿Se puede medir la disonancia que hay en una inspiración cuando se empieza a vencer del lado de la espiración? ¿Corresponde a alguna cifra el momento de una marea en el que el flujo toca su filo máximo y empieza a ser reflujo? Pues de ese territorio límite hablan estas imágenes. Cada una es una ventana que invita a cruzar al universo infinitamente delicado que hay escondido bajo esa raya. ¿Acaso no es cierto ese mundo? Peguen la oreja: estos cuadros laten, y entre latido y latido es cuando suceden.
Si alguien intentara narrar en forma de película de cine lo que ellos cuentan, la adaptación estaría abocada al más rotundo de los fracasos: el argumento de los lienzos de Salustiano no acontece en la imagen que muestra la cámara, sino en la raya negra que une un fotograma a su siguiente.
«En el arte actual echo de menos algo más de reflexión en las obras presentadas»
¿Qué opinión tienes del momento actual del mundo del arte. Visto desde la educación digital de las nuevas generaciones, la globalización o el legado de tu generación?
No lo sé. Visito muchas ferias de arte en Asia, Europa y América, y a veces echo de menos algo más de reflexión en las obras presentadas. Creo que el ritmo frenético de ferias y exposiciones a la que nos vemos sometidos los artistas hoy en día, si no tenemos cuidado, puede arrastrarnos a producir de manera irreflexiva y apresurada. Y el arte es, sobre todo, reflexión. Reflexión y respeto. Respeto a las personas que van a contemplar tu trabajo. Debemos trabajar siempre pensando que el espectador es una persona preparada emocional e intelectualmente. Esto, que parece obvio, no lo es tanto cuando paseas por las ferias y visitas galerías de arte.
Los artistas debemos prepararnos más y mejor para conseguir dar lo mejor de nosotros, al igual que lo hacen los profesionales de otros ámbitos como los médicos, los agentes de seguros, los fontaneros o los arquitectos. Además, debemos estar atentos a la realidad de nuestro entorno, a los avances de la ciencia, de la política, de la cultura y de la sociedad. Hay que estar al día para asimilar la realidad y querer mejorarla.
«Es imposible que el espectador se ponga delante de una obra de arte sin expectativas»
¿Qué actitud debe tener un espectador ante cualquier obra?
Espectador y expectativa comparten raíz. Por lo tanto, imagino que es imposible que el espectador se ponga delante de una obra de arte sin expectativas. Pero es así como se debería afrontar no solo el arte, sino la vida misma.
¿Qué te da Sevilla y, si lo hace, qué te inspira Madrid?
Sevilla es estupenda en varios aspectos. Madrid es estupenda en muchos aspectos.
¿Qué te gusta hacer cuando dejas los pinceles?
Viajar. Muy lejos y muy cerca. Siempre cerca de la naturaleza, cuanto más bruta mejor. Son en esos paisajes “brutos” donde me encuentro conmigo mismo. Y de eso se trata, ¿no?
Nació en Sevilla, 1965. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla y desde entonces, su obra ha sido expuesta en museos, galerías y ferias de arte en todo el mundo.
Destacan muestras en los museos Fowler de Los Angeles, el Luma Museum de Chicago, o el Museo Vostell-Malpartida de Cáceres; y ferias internacionales como Art Cologne, Armory Show en New York, Art Miami, Moscow International Art Fair en Moscú, Toronto International Art Fair, ARCO, DIVA Art Fair en Nueva York, KIAF International Art Fair en Seúl, MODERN en Munich, ART FORUM en Berlin, SCOPE Art Fair en Miami y Londres.
